Curaduría, contextos y prácticas: Primeras jornadas de puesta en común y actualización profesional.

"Curaduría, contextos y prácticas" was the first symposium held in Buenos Aires on the practice of curating and took place between 18-20 October 2018. Co-programmed by Alejandra Aguado and Jimena Ferreiro for ESEADE, and produced in collaboration with Fundación PROA, it included workshops, discussions tables and commissioned presentations by 45 art professionals, including curators, artists, museum directors and other key figures from a variety of artistic institutions, both public and private.

Leticia Obeid: ¡Es la economía, inteligente! (Project commissioned for Móvil's programme)

Matías Duville: Una línea al infinito (curatorial commission for the Museo de Arte Moderno de Buenos Aires' online programme)

Con esta compilación audiovisual de videos, registros de instalaciones, imágenes de sus dibujos y pinturas, el artista argentino Matías Duville (Buenos Aires, 1974) nos invita a recorrer los paisajes desolados y en permanente estado de transformación que explora en su obra. Señales de cataclismos, ellos nos hacen sentir a flor de piel la fuerza de la naturaleza, de sus reacciones y movimientos; recuperan su carácter sublime y poderoso, capaz de imponer temor, y ante los que la agencia humana se ve volátil y empequeñecida. Hilvanadas por un seductor paisaje sonoro, las imágenes recuerdan la capacidad de la tierra de mutar y de reinventarse una vez atravesadas las catástrofes -un poder infinitamente superior al de nuestra especie-. Y exploran, a su vez, los vínculos que establecemos con ella: de fallida dominación, por un lado; pero también de posibles armonías que el artista nos manifiesta en visiones psicodélicas. Entre el videoclip y el laboratorio de ideas, Duville vuelca en esta “línea al infinito” -el nombre de esta propuesta que remite al tiempo y al elemento primordial del dibujo que es motor de su obra- trabajos producidos en los últimos quince años en Argentina y en el exterior y que ha exhibido en instituciones de Francia, Brasil o los Estados Unidos. "Una línea al infinito" forma parte de la programación del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires #MuseoModernoencasa que, durante estas semanas, presenta el trabajo de artistas cuyas obras proponen vías de reflexión sobre la crisis ambiental.

Juane Odriozola: Información Agregada (Exhibition text)

Juane Odriozola -artista- así como vive, trabaja: sin pausa. Su obra es su manera de transcurrir, aquello que hace con el tiempo. Es prolífico, entonces, sin necesidad de exhibir su genio en el desborde y el exceso, sino por dedicarse absoluta e irrefrenablemente a hacer, a hacer probando, a hacer haciendo, a hacer de todo todo el tiempo. Esta equivalencia no significa necesariamente que su poética se inscriba dentro de la tradición del arte=vida, según la cual la diferencia entre la naturaleza de esos términos es lo que juega a desvanecerse, sino que tiene que ver con que los tiempos de ambos se solapan ampliamente. Sin importar la forma que adquieran, sus obras son una manera de estar y de reacomodar lo que está, ya sea escribiendo y distribuyendo sus libros de poemas que desentrañan las claves de lo cotidiano, pintando cuidadosamente pañuelos descartables de papel tissue, consumiendo chorros de tinta, publicando en la red productos inmateriales para la venta, duplicando objetos y arquitecturas en el espacio al instalar sus fotografías fantasmales u organizando los pequeños caos de la ciudad mientras filma sus videos. Son orden que desprende el hombre trabajando, enfrentándose y entregándose al presente y usando el tiempo. Son la transformación en presencia de todo lo que puede desvanecerse ante el uso o la indiferencia. Juane Odriozola es metódico aunque no lo crea. Y a la obra la busca, no la espera. Se dispone a producir como un autómata, habiendo interiorizado una serie de reglas que dan lugar en su proceso a la repetición tanto como al azar, a lo anticipado tanto como a lo impredecible y al hallazgo. Su capacidad para abstraerse de la sensación de caos, para navegar sin desconcierto la sobre-información y su disposición a trabajar modular y sistemáticamente vuelven a su cuerpo un educado canal de acciones y de movimientos que descansan en su habilidad para sostener una velocidad crucero y le permiten así ingresar al paraíso de la no ansiedad, donde no hay frustración ni desenfreno. Como ocurre con la serie "Cromogramas", que exhibe en "Información agregada", sus pinturas se pintan como se pronuncian mantras. Son el resultado de un trabajo que Juane produce, rítmica y coreográficamente, sobre varios papeles en simultáneo a los que pinta por partes, sin verlos en su totalidad y eligiendo colores por antojo jugando así a lo inesperado, confiando en la sofisticación de su sensibilidad aprendida e innata y en la garantía estética de la que lo provee este poco de azar y su empeño. De esta manera, sus composiciones se sospechan, no se imponen de manera premeditada. El proceso da lugar a todo el potencial de sus reglas combinatorias y la varita de la arbitrariedad, sabiéndose regulada por las restricciones de un supuesto orden, regala originales y belleza una y otra vez, además del humor que contagian estas tácticas que vuelven a lo absurdo, fértil. La obra se realiza así al amparo de la norma pero coqueteando con lo aproximado, con la imposibilidad de la exactitud. Se nutre de las ricas diferencias entre lo casi igual, del carácter sublime que sabemos encontrar en lo sutil y estructural y de un devenir que concedió a aquello que en el entorno cotidiano es inmutable y banal, un destino cargado de gracia y de sorpresa. Juane Odriozola no cree pero supone creer, tal como él escribió hace un tiempo. Esto implica que no es absolutamente escéptico pero probablemente deja en claro que entre acción e inspiración prefiera confiar, al menos para empezar, en la primera. Su minimalismo generativo, su dedicación a producir y a reproducir orden, a registrar el suceso de su encuentro con lo cotidiano, son una apuesta a que puede existir el vagabundeo con propósito, a que vale probarlo todo y dar a cada impulso, método. Es este -un pausado proceso de información agregada- el que provee a su inventiva inagotable de su fantástica fórmula de casi no repetición para llegar al infinito sin impedimentos. Alejandra Aguado

Interview with Cotelito, published on the occasion of his online residency at More Than Ponies' Tele Vistas

Interview published on the occasion of the curatorial commissions for “Tele Vistas”: More Than Ponies’s programme of events, community broadcasts and commissioned art works addressing the lure of landscape during the covid crisis and period of lockdown. More Than Ponies is a contemporary art not-for-profit that seeks to reimagine and reanimate the New Forest area in the UK. ** Alejandra Aguado: What has digital drawing given to your practice? Cotelito: Digital drawing inspires new ideas in me, it allows me to enter a different frequency of forms and tones. It is also a quick tool; it’s practical and I can use it any time. AA: What is the relationship between drawing and speed? C: In my case, drawing is what I do and resolve most quickly (both practically and in terms of thinking). I generally move slowly, speak slowly and I take my time to make decisions. Nevertheless, I resolve drawings in seconds; drawing allows the trilogy of my mind, eye and hand to develop a sort of high-speed meditation, which itself is a vertiginous process filled with joy. Drawing is, in its swiftness, the closest you can get to the speed of intuition. AA: And between drawing and distance? C: There is an infinite drawing which is being made throughout time, all the time, and is everywhere. There is an invisible line which we are permanently drawing: it is there in the steps we take when we move from one place to another, or in the trajectory drawn by our mind when it moves speedily as it connects thoughts. We are bound by that drawing that we transform and that transforms us every second. AA: You once wrote that “art is like making balloons with Bazooka chewing gums.” What does that feel like for you? C: There is no use in making chewing-gum balloons, we do it spontaneously, almost without thinking, and we enjoy it because of the spark of beauty and surprise that it gives us. Something like that is what happens to us with art. AA: I feel that your drawings, within the context provided by More Than Ponies, have become a real chance for exchange, for going from one place to another and vice-versa. What does it mean or how does it feel like to be that sort of bridge? C: This relationship of exchange has surprised me and has given me the chance of making a work, the goal of which I had not envisaged. The result, I believe, has surprised us on both sides and shows how a principle of understanding between pairs/colleagues can work beyond distance. AA: Part of the magic brought about by your drawings has to do with the fact that they not only intervene in the landscape, but also within the same surface and material being used for this exchange: the digital image and the screen. Your forms and figures eat and swallow them, light them up, they are some sort of apparition which comes from behind but also from the front of the images, they cover and uncover them. How do you face that intervention? C: These drawings are done very quickly, there is no previous sketch. A quick reading of the photograph provided to me gives me hints on what could appear. When I get that hint I start drawing and I do not stop until the drawing is concluded. Throughout the drawing’s execution, my mind sort of twists the route taken by the lines trying to find the most unusual resolution possible. AA: Landscape is fundamental in your work. It is the place where and onto which you narrate. What is the landscape for you? What does it prompt? C: I am deeply moved by landscapes. My favourite state of mind occurs when I am immersed in nature, a truthful state of grace from which I constantly learn. AA: Could you describe your drawings? What is to draw? C: I’ll try answers that will most probably change in the future: my drawings are sweet forms of day-dreaming. They seek to populate the world with an eccentric and naïve poetry. There is, in them, an inclination to humour and to the seduction that arouses the image of the sublime. To draw means to be willing to enter mystery, and to embrace the happiness provided by uncertainty. AA: Had you consciously thought about the idea of the picturesque before? C: I had not thought about it in a conscious way, but I have always been a contemplative person who enjoys taking notice of all the details found in nature when I am lost in it, so that I can be taken by that experience completely. All of those experiences appear like echos in my paintings and drawings. AA: It feels that your drawings allow you to inhabit the landscapes you intervene, rather than merely looking at them… C: Landscape modifies me, the drawings modify the landscape and the landscape modifies the drawing - that goes on like that to infinity.

Cotelito: The Speed of Tenderness (Distance Thins Down) 2020. Curatorial Commission for More Than Ponies' Tele Vistas

Curatorial commission for “Tele Vistas”: More Than Ponies’s programme of events, community broadcasts and commissioned art works addressing the lure of landscape during the covid crisis and period of lockdown. More Than Ponies is a contemporary art not-for-profit that seeks to reimagine and reanimate the New Forest area in the UK. ** Cotelito (Buenos Aires, 1983) once wrote that “art is like making balloons with Bazooka chewing-gums.” And I guess I am not mistaken if I think that, both for me and for many others, making balloons with Bazooka chewing-gums means to give in to a moment of complacent pleasure, to allow oneself the explosive and unusual bliss that results from the combination of what is sweet and soothing with what is surprising, while the shock does not hurt anyone. It is fright filled with humour, both docile and fascinating. Between July 10th and 13th, this indulging-astonishing flavour is invading “More Than Ponies”’ Instagram—an artist led initiative—as Cotelito pours drawings onto its Stories section strictly made with the tools available in the social media app. He thus responds to the invitation to add his views to the reflection that “More Than Ponies” is encouraging on the topic of the landscape, which in a moment like this can equal that which is out of reach. Cotelito’s quick drawings are traced onto someone else’s pictures, on images that come from afar and are sent via WhatsApp waiting for his intervention. They are photographs from the New Forest, in the south of England, taken by Laura Eldret while she walks around. Their digital travel adds to the gap and to the glances that distance us from the idea of the picturesque, because the picturesque is not what’s there but what we see over there. It is not what’s under our feet but in front of our eyes. In Cotelito’s drawings, the picturesque is more than ever all of that which can be projected onto the landscape which, under the filter of the picturesque, is always far away. It is the ability to find the animosity that Cotelito makes so easily visible, the chance to hear ourselves and our echo in that scenery. We are at a time when the outdoors have become some sort of ghost, a huge and boundless haunted house, a deserted place that smells like closure. In Cotelito’s drawings, all of these ghosts and monsters appear but, unlike the landscape dominated by the recent pandemic, his is a territory that—even if only existing for a short while within the bubble provided by chewing gum balloons—we want to run to and inhabit without doubt and right away. --Alejandra Aguado

Marcela Sinclair: Around the Block (2020). Curatorial commission for More Than Ponies' programme Tele Vistas

Curatorial commissions for “Tele Vistas”: More Than Ponies’s programme of events, community broadcasts and commissioned art works addressing the lure of landscape during the Covid crisis and period of lockdown. More Than Ponies is a contemporary art not-for-profit that seeks to reimagine and reanimate the New Forest area in the UK. ** Marcela Sinclair’s short video essay Around the block constitutes a way of sharing the game played by the eyes and mind when asked about a subject which, in the process of being reflected upon, becomes an obsession. The question was posed to Sinclair by More Than Ponies and concerns the picturesque, an idea we relate to through Sinclair’s chores and wanderings near water and green leaves, ruins, urban gaps taken over by vegetation or dirt, and the images of historical figures sparked by the names of the streets around the block from her flat: Fitz Roy, Bonpland, Aguirre and Loyola, eighteenth- and nineteenth-century representatives of the processes of transformation of nature into science, and the wild into culture. As Sinclair tries to get a glimpse of her local picturesque spots—picturesque to whom?, absurdly, forcedly or naturally picturesque?—she shares sights, references and illusions that link present and past, colonizers and the colonized, fact and fiction, and her Buenos Aires neighborhood with the UK’s New Forest. Both sites are granted with the unexpected beyond that they come to constitute for each other in this work. Limiting her walk to the 500 metres that she was permitted to travel during the early quarantine, "Around the block" shows that history and ideas can be traced deep into the holes and cracks of close constructions and land. --Alejandra Aguado

Incidents (of Travel) Episode No. 8: Buenos Aires

Incidents (of Travel) explores the chartered day-long travel itinerary as a format of artistic encounter and an extended conversation between curator/s and artist/s. An expanded phase of a project conceived by Latitudes (Barcelona) in 2012, this new series of tours is conceived as fieldwork and an expanded studio visit. It is presented as reportage and dispatches from invited curators and artists working around the world. ** Introduction It is a surprisingly hot day in Buenos Aires—ten degrees hotter than the average mid-April day. Summer seems to be pushing its way into the year as if it had been prevented from doing its job when it was supposed to and is now determined to ignore habits and frustrate any precise forecast. The feeling of emancipation expressed by the weather hinted at experiences throughout the day to come as Diego Bianchi and I followed an itinerary he had planned to give recognition to unchained forces and flows—whether driven by people, or nature. Flows that make their way through disregarded, ‘narrow’, unregulated or apparently invisible areas of town. They emerge from niches in concrete and impermeable surfaces, through faults in organized behavior and imposed order, protrude over bits of uncontrolled land, occupy what’s left of empty space, or force themselves through thin cracks in the law or communication. While these flows proliferate as a series of informal movements, they offer vital opportunities for growth, exchange, expression, acknowledgement, accommodation; they create different connections to our environment, fulfill urgent needs as well as simple pleasures. As we move around Buenos Aires by car, underground, and foot trying to follow these evolving energies, it becomes clear how they open up new, organic paths around the metropolis. These human and non-human impulses draw an unofficial system of circulation on top of the city’s gridded map. They multiply the cities traffic lines: jumping over barriers, stretching straight lines into curves, infiltrating pathways and improvising ways to link the previously disconnected. As this city blood flow started revealing itself to me, Diego’s work appeared more committed than ever to presenting and making room for what is pushed down by norms—whether of social behavior, urban planning, garbage administration, formal citizenship, or even legal trading. In his practice, just as with Buenos Aires itself—a wider metropolitan area that encompasses 15 million human inhabitants—these excesses are adopted and adapted in numerous ways. We may have all learnt that nothing really disappears, that what appears lost or thrown away inevitably comes back, somehow, somewhere, camouflaging its way back into our territory. Yet Diego’s practice confronts us with these apparitions, which accumulate in his work and make their way violently through matter. He is a careful observer of ecosystems, alert to movements of organic reorganization, control, and expressions of survival. In his sculptures and installations, mostly made of found objects, bodies and objects seem to bind together, impregnate each other, or grow like viruses. Figures comprised of bits and pieces seem dismembered or exhibit new, multiple limbs—whether natural or technological. They negotiate their own right of way. His works are made of what we consume or desire on the one hand, and avoid or reject on the other, be that information, style or materiality. They synthesize an offer with a demand, lack with excess. On April 18, we navigated Buenos Aires as if an ever-evolving festival of sorts featuring damp heat, sudden disparities, hidden oasis, and the anxiety that sprouts from the threat of instability or overload. --Alejandra Aguado, April 2018

Pensamientos sobre el encuentro entre pintura y mini-golf. Sobre "A Ojo" de Alejandra Seeber en Barro (Exhibition Text)

La imagen de la instalación de Alejandra Seeber que hoy se llama A ojo fue, durante el año que pasó, una colección de referencias a una totalidad siempre a punto de manifestarse. Inalcanzable. Sé que Alejandra veía esa totalidad claramente desde el vamos, así como debe de ver a sus pinturas que, cuando se revelan, parecen estallar con la seguridad de que ya resistieron en su cabeza largo rato —armándose incluso inconscientemente— y necesitan ser volcadas de manera urgente sobre la tela. El paquete de archivos que recibí originalmente era un refugio infinito de variables. Una colección de imágenes —entre fotos y otros archivos digitales—, esperando una composición; ingredientes de una piñata antes de ser llenada; una carpeta desbordante de referencias que incluía desde modos de anotar puntajes a tipos de césped sintético, variantes de cercos para contener las pelotas dentro de los islotes del minigolf que conformarían la instalación e incluso cerámicas. También una colección de diagramas de la sala de exhibición ocupados por figuras entre orgánicas y geométricas —volúmenes sobre los que eventualmente caminaríamos, esos islotes—, referencias en internet a productos de merchandising, banderines. Y huecos por doquier: hoyos que eran como ojos plantados en esas islas que se habían animado y ahora se parecían a un Pacman, a una ola-logo de Pierre Cardin, a un martillo, a un signo de pregunta y a una paleta de pintor. Un mundo de cosas concretas compiladas con entusiasmo que esperaban recibir el toque de sofisticación y psicodelia que reconocemos en el trabajo de Alejandra. Estos elementos —la forma en que se me manifestaba esta instalación como proceso— se revelaban además como una acumulación de deseos, puro apetito. Un anhelo haciendo fuerza para que finalmente aparezcan en el espacio formas ancladas en una caja de herramientas. Ocupaban ese rol incluso las referencias a las obras de pintores de generaciones anteriores que Alejandra quería sean parte de su muestra, por largo tiempo sin confirmar. Eran realidad e imaginación intentando reunirse, pero que yo veía sin que todavía hayan sido atravesadas por el poder ecualizador y antijerárquico con que esta artista sabe reunir mundos y dimensiones dispares para que reaparezcan en sus pinturas luego de bucear sin incomodidad en ese campo de distracciones que son todas las superficies sobre las que ponemos el ojo: desde los horizontes zigzagueantes de la ciudad al brillo de una superficie transparente, la trama de un tejido, otra obra de arte, un muro de ladrillos, fragmentos de cuerpos o plantas, luces, aguas, o nuestros propios párpados entrecerrándose. Esa forma cotidiana del collage, sólo que en la pintura de Alejandra los recortes tienen el beneficio de la transparencia. *** Más allá de mi distancia con la forma final que adquiriría A ojo, sabía que la instalación iba a camino a ser, como el resto de su obra, una nueva forma del deleite, de la diversión, del deseo de reunir imágenes antes irreconciliables en un espacio seductor y mágicamente interno. Un lugar para que la imagen mute permanentemente, se reconozca ocupando un nuevo rol, sea protagonista y sea extra, amplíe sus sugerencias a partir de las relaciones que le proponen la instalación, el juego y el movimiento al que se empuja al espectador a quien se incita a circular y poner en alerta ojo, músculo y puntería. Para que la pintura juegue a espejarse en otras y también se agrande, consumándose como artificio al desdoblarse en el espacio e invitarnos a transitar sus formas con ojos y pies; al proyectarse como un paisaje de figuras —tanto planas como 3D— que se recortan con claridad y sin sombras en una sala teñida de rosa, y dejan entre ellas caminos para trazar recorridos, conexiones y narrativas. No existe el caos para la pintura; cada pintura se apropia de él como orden. Y el orden, en el caso del proyecto de Alejandra, prometía componerse después de superada esa acumulación con algo de irreverencia pero siempre contenida por los marcos y meta-marcos de aquello que llamamos obra. *** Imágenes que encontraba difíciles de conectar se derramaron en ocasiones por mi WhatsApp: fragmentos de una totalidad posible. Eran más de las que podía atender lógicamente. Pero su recepción se volvió un ejercicio de reconocimiento de esa capacidad de Alejandra de consumir variedad y reunirla sin esfuerzo con su pincelada y su paleta en un todo nuevo y fantástico. Alejandra concentra distracción, la contiene. Esa paradoja hace a su pintura tan atractiva. En ella conviven múltiples puntos de atención y el mini-golf no iba a ser ajeno a este modo de operar. A ojo es un campo de obstáculos e interrupciones, pero también de objetivos multiplicados, no sólo en los hoyos sino también en las pinturas que juegan a acompañar pero que pretenden atención, que quien las descubra de reojo vuelva a concentrarse en ellas. Va a estar plagado de lugares para el acierto y el desacierto, para seguir dando vueltas hasta que el horizonte de pinturas que constituye el marco del campo de juego se vuelva una línea de ventanas por donde escapar. Es en este espacio de informalidad, del hacer “a ojo”, que reúne formas caprichosas y estridentes que coquetean con ser y no ser reconocidas, donde se propone dar cita a la pintura. Según la lógica de esta exhibición-juego, no hace falta tenerla en un frente preciso y exclusivo, consumirla sin interrupciones o forzar un acto de contemplación puro, por llamarlo de algún modo, para vincularnos con ella, sino abrazar la condición de distracción —probablemente sea ella la primera condición para la atención— y la naturaleza coral de ese mundo visual que nos rodea para entregarnos al placer que provoca su presencia estrambótica y artificial, conectarnos con nuevas posibilidades para su disfrute y para descubrir en ella algo nuevo. *** Alejandra despliega para todos su mirada homeopática que cura la acumulación con acumulación y la distracción con distracción para que se nos aparezcan otras imágenes, para que revisemos qué vemos, para reconocer que nuestros cuerpos están siempre en movimiento, se deslizan; que, tal como propone el circuito de su juego, es difícil fijar la vista —la fijación parece ser sólo prerrogativa de la pintura—. Si la realidad —o nuestro presente— es una dimensión en flujo permanente, la obra de Alejandra es la acumulación de los tiempos, las velocidades y las posibilidades con que el presente es consumido por la mirada, sus deseos de fuga y sus vicios de superposición. Una oda al desparramo. Un abrazo a la mirada sucia, contaminada, desviada. Al movimiento —un tanto forzado, un tanto casual— del espectador. *** Abrí mis archivos para revisar viejas pinturas de Alejandra y pensarlas en relación a A ojo. En Armchair with pillows (1996) y en We Were So Modern (2000) se ve una pintura al fondo. En Le Corbusier Tropical (2008) hay una pintura al fondo. En Capitone (2002) hay una pintura o ventana al fondo. En Eye — Ay! — Eye! (2002) había que calzar el ojo en un agujero para ver, como buscándolas con un telescopio, pinturas al fondo. En la exhibición Cuadro por cuadro (2014) quedaban los rastros de sus propias pinturas sobre la pared de fondo. En Cabaret of painting (2009) podía verse, más allá de un telón, una pintura al fondo. En Knit Blue (2013) parece haber una pintura detrás de un tejido, al fondo. En Womanscape (2011-19) Alejandra pintó sobre una pintura anterior, resultado de una performance, y compone con ella de fondo. En Tutti Frutti (2010) había espejos en los que se reflejaban las pinturas al fondo de su profundidad ilusoria. Siempre están ahí. Al frente y al fondo –como estarán en A ojo detrás de cada hoyo–. Como entrada y salida, conteniendo una y otra vez los desbordes de la imaginación y generando la posibilidad de otra pintura que dispare un encadenamiento sin fin. Las pinturas son como un ancla, un punto de llegada, el plano que permite a Alejandra Seeber organizar el mundo. Pero son también un modo de deshacer las perspectivas e interrumpir planos dominantes para dar cabida a otros y revelar la manera en que la pintura es capaz de encauzar el infinito. A ojo desafía más que nunca la crítica peyorativa según la cual la pintura es inevitablemente decorativa porque justamente arma con ella un gran decorado que, como tal, roza lo fastuoso. La instala como adorno en un entorno destinado al entretenimiento y la evasión inspirado en consumos populares y formas del kitsch. Tanto las pinturas propias como las ajenas —están presentes, entre otros, obras de Antonio Berni, Juan del Prete, Yente—, juegan el doble rol de ser fundamentales y ser accesorio, ser figura y fondo. Seeber propone así otros modos de acercarse a la pintura, desviar la expectativa que ella provoca. Sus obras —su forma, la experiencia que proponen— funcionan así como lugares de imprevisión para el espectador, tal como lo es el juego. Ocasiones para sacudir el gusto y ofrecerle, con la frescura que trae su desparpajo, otra forma de comodidad. *** El arte es el lugar en el que la imaginación, al materializarse, no se quiebra, no se desarma. Por el contrario, encuentra en esa realización el camino para no desvanecerse, para hallar nuevas intuiciones y proyecciones de significado. Entiendo ahora la variedad de archivos y de imágenes que fueron desplegándose en el proceso de visualización y producción de la exhibición A ojo como las notas de la imaginación infinita de Alejandra (también como un listado de sus deseos) y, por ende, a la exhibición, como el modo de dar cuenta de los artificios de esta imaginación, pero también como una manera de conducirlos a un espacio mayor de vínculos y de bifurcaciones donde sus imágenes encuentren nuevos desvíos. Ese “a ojo”, la forma desfachatada en que proyectamos la confianza en nuestro pensamiento y modo de hacer, es la manera en que podemos intentar sacar provecho de esos desvíos, disfrutar de los pequeños vértigos que genera la expectativa del acierto, y de poner a prueba la máquina liberadora que constituye el accionar del pensamiento, del ojo y de la mano, cuando —así como les sucede a las pinturas de Alejandra al ser pintadas— tienen que operar al unísono y velozmente para poder apuntalar imágenes y avanzar. --Alejandra Aguado Buenos Aires, febrero 2020 ** Alejandra Seeber (Buenos Aires, 1969) has been described as having a dialogic approach to painting, where intentionality and random procedures, failings and acceptance operate together without hierarchy. Seeber conceptualizes painting, not from historical references or social conventions but from a visual culture crossed by alternative rock, theatrical stage designs, musical shows, the city’s underground, the digital softwares that started being used in graphic design and the technological novelty in publicity characteristic of the end of the last century. Laying her eyes in domestic interiors, architecture and decorations, Seeber finds an image of the world that she rapidly blows up in stains and squirts that scatter through the canvas making it impossible to see the difference between in and out, between figures and abstraction. In this battle for domesticating symbols and updating meaning, Seeber ends up adding new forms and contexts to images resulting in multiple-layered works that invite us to renegotiate the boundaries between totality and fragment. Some of her most recent projects are A oJO (Barro, Buenos Aires, 2021), Fuera de serie (Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires, 2021), Getaways (Hausler Contemporary, Lustenau, Austria, 218); Autoamerican (Barro, Buenos Aires, 2015); Cuadro por cuadro (Miau Miau, Buenos Aires, 2014); Yes-yes (Hausler Contemporary, Munich, 2011) Tutti Frutti (Hausler Contemporari, Zurich, 2011); Dialogville (Fundación Proa, Buenos Aires, 2010); Muro O’reverie (Fundación Proa, Buenos Aires, 2009), Pinturalia, Galeria (Fernando Pradilla, Madrid, 2008); The Pregnant painter (Virgil de Voldere Gallery, Nueva York, 2007); Duos (Sperone Westwater, Nueva York (2003); Living Rum (Dabbah Torrejón Arte Contemporáneo, Buenos Aires, 2002); This Room: Painting as a Second Language (Parlour Projects, Brooklyn, 2001); and Serendipia (Galerie de L’Alliance Française, Buenos Aires, 1999), among others. She lives and works in New York.

Celina Eceiza: La conquista del reino de los cielos

Nov 2nd 2019 - Dec 21st 2019

Móvil

Eric Araki: Nueve anillos (Solo project for Bienal de Arte Joven de Buenos Aires, 2019)

Oct 1st 2019 - Dec 1st 2019

Centro Cultural Recoleta

Jair Jesús Toledo: El Frankenstein

Aug 31st 2019 - Sep 28th 2019

Móvil